Music Pack

保持鋼琴定期調音 是鋼琴定期維護的一部分 鋼琴應該每年調音至少兩次 以保持最佳音質並為使用鋼琴的學生正常工作 安排鋼琴調音時 請保持鋼琴技師和鋼琴所在的周圍環境安靜並且沒有噪音的干擾 例如 房子裡播放的音樂 電視 收音機或吸塵器 清除鋼琴上任何物品 例如書籍 圖片或檯燈 當鋼琴調音時 調音師需要移除鋼琴某些部分才能接觸到琴弦 請確保有空間讓鋼琴技師將鋼琴配件放置地板上 調音前請將有損壞的琴鍵或發出奇怪的聲音的情況告訴調音師 根據鋼琴的狀態 調整鋼琴音律大約一到兩個小時 由於溫度 濕度 老化或頻繁使用等因素 每一台鋼琴都需要定期調音和保養 一台家用鋼琴每年可能需要調音一到兩次  而錄音室鋼琴可能需要每個月調一次音 鋼琴調音師通常是專業鋼琴家或樂器維修師  鋼琴調音和維修是一項精細 艱苦的工作 最適合不介意單獨工作 冷靜和專注的人 調音師使用工具來測試和調整鋼琴琴弦的音高 包括調音桿 還有使還沒調音的琴弦保持靜音的工具 以及用於確定音準的音叉或電子調音裝置  然而最重要的工具還是他們的耳朵和對鋼琴的了解 鋼琴技師解剖結構 機械操作和聲音 一項簡單的調音工作大約需要一個小時才能完成 更複雜的工作可能有評估鍵盤 踏板和動作等組件 並校正像鬆動的銷釘或錘子毛氈磨損等問題  可以跟隨經驗豐富的鋼琴技師做學習 或參加專門的訓練課程 以及嚴格的自我學習 根據鋼琴技師協會稱 需要兩年到五年的訓練和練習 才能培養鋼琴調音和維修的能力 專業技能方面 需要對音高和聲音細微差別辨識的耳力 手指靈巧 基本的木工知識和儀器維修技術 對鋼琴結構和功能有深入的了解 當然還有耐心和冷靜 工作上需要建立人際網絡 與鋼琴教師之間建立自雇關係 工作時間可以自訂日程的安排 調音客戶上的安排通常定期或一次性工作 固定工作來自鋼琴陳列室 學院和大學 音樂學院 音樂廳和錄音室 其他還有教堂 教會 餐廳和家庭 調音師通常會自僱人士 需要與鋼琴公司或音樂老師建立專業關係 鋼琴調音 https://ilovemusicpack.blogspot.com/2021/11/blog-post.html 莫札特最後一年與安魂曲 Requiem in D Minor, K625 https://ilovemusicpack.blogspot.com/2021/10/requiem-...

Photography 這個詞來自希臘語照片"光" Photos 和石墨烯"畫" Graphein 最早是在1830年代使用 攝影是通過光或相關輻射作用在光敏材料上記錄物體圖像的方法  攝影作為一種視覺傳達和表達的方式 具有鮮明的審美能力 為了理解它們 先要了解過程本身的特徵 最重要的特色之一就是即時性  紀錄的圖像是由相機中的鏡頭形成的 在曝光形成圖像的光線下 感光材料的結構發生變化 形成負片的潛伏圖像(反轉) 通過顯影使圖像可見 透過硫代硫酸鈉定影或為永久性圖像 稱為hypo 硫代硫酸鈉(STS)是一種工業化學品 具有悠久的醫學歷史 最初用作金屬中毒的靜脈注射藥物 已被批准用於治療某些罕見疾病  這種對攝影所謂客觀性的理解主導了對其在藝術中作用的評價 攝影歷史的早期 有時被貶低為一種機械藝術 因為它依賴於技術 然而 事實上 攝影並不是使用相機所有的自動過程 儘管相機限制攝影師描繪現有物體而不是想像或解釋性的視圖 但是透過技巧熟練的攝影師可以將創造力引入機械複製過程 圖像可以經過不同的鏡頭和濾鏡進行修改 用於紀錄圖像的敏感材料視進一步的提升 光線和陰影之間的對比度可以透過顯影的變化改變 在印製底片時 攝影師在紙張的物理表面 色調對比度和圖像顏色面有多種選擇 攝影師也可以設置一個完全人造的場景來拍攝 最重要的當然是攝影師具有創意的視野 選擇有利的位置和確切曝光時刻 攝影師感知拍攝對象的基本品質 根據判斷 品味來解釋作品 一張有意義的照片可以傳遞訊息 理解 紀錄 和擴展 基於這些因素 攝影被認為是自印刷機以來最重要的發明   照相機的前身是暗箱 依個暗室或房間 一面牆上有一個洞(後來視鏡頭) 房間外的物體圖像通過它投射到對面牆上 兩千多年前 希臘人(如亞里斯多德)可能已經知道這個原理 16世紀後期 義大利科學家兼作家 Giambattista della Porta演示並詳細描述了帶鏡頭的暗箱使用 隨後幾個世紀的藝術家普遍使用暗箱的變化來創造他們的圖像 但是這些設備的結果取決於藝術家的繪畫技巧 因此科學家繼續尋找一種完全機械地再現圖像方法 1727年 德國解剖學教授Johann Heinrich Schulze證明 銀鹽變暗是一種自16世紀甚至更早的現象 它是由光而不是熱引起的 它通過使用陽光在鹽上紀錄文字來證明這一個...

 沃夫岡 阿瑪迪斯 莫札特(Wolfgang Amadeus Mozart)的安魂彌撒曲 在1791年12月5日去世時仍未完成 直到20世紀後期 最常聽到 這部作品是由莫札特學生Franz Xaver S üssmayr完成的  根據莫札特簽署和律師的見證合同 安魂曲是由司徒怕賀伯爵Count Franz von Walsegg-Stuppach 委託製作的 伯爵想假裝自己有作曲的能力 旨在想用安魂曲向伯爵夫人致敬 因此 他堅持莫札特不能複製樂譜 也不能透露參與其中 而且首場演出需為委託創作人保留 當時莫札特正在創作兩部歌劇:魔笛和提拉斯的仁慈La clemenza di Tito 這三項任務加一起對於當時虛弱又發燒的莫札特來說 已經超過他的體能所及 莫札特把大部分精力都投入到歌劇 這兩部劇都完成並上演了  莫扎特最後一年與安魂曲 至於安魂曲 他在體力允許情況下進行創作 1791年12月4日 幾位朋友來到他的公寓 演唱正在進行的樂譜 然而莫札特的病情惡化 第二天清晨莫札特去世時只完成"Kyrie", "Sequence"和"Offertorium" 最後三個樂章"Benedictus", "Agnus Dei", 和"Communio"幾乎所有的編排都不完整 安魂曲裡的管弦樂以弦樂為主 木管樂器為特色 特別強調樂曲力度時由銅管和定音鼓來表現 莫札特在聲樂寫作中錯綜複雜的對位層次展現出巴洛克大師巴赫和韓德爾的風格 特別是在"Sequence"裡 莫札特通過設置突出的長號段落來對抗聲音 強調了原本的力度: "Dies Irae"中的女高音 中音男高音和低音獨奏家 這是莫札特整個樂曲裡最突出的長號片段  沃夫岡 阿瑪迪斯 莫札特的最後一年 原本期待1791年為更好的一年 三月時的一場音樂會 莫札特完成了幾年前開始的鋼琴協奏曲K. 595 為Redoutensaal演繹了無數的舞蹈 並寫了兩首新的弦樂五重奏 其中一個是D大調K. 593的作品 特別精緻微妙 四月時 成功申請了聖史蒂芬大教堂年長Kapellmeister Leopold Hofmann的無薪助理一職 (原期望未來可以被正式任命Hofmann的繼任者 結...

屢獲殊榮的日本鋼琴家和作曲家 爆發力的表演總是能引起共鳴 除此還是一名作曲家 比起作曲 更喜歡演奏並獲得好評的上原博美拒絕為自己的音樂下定義 她讓她的觀眾自己決定如何稱呼她的音樂 以熱情和精湛的技藝融合各流派而聞名 不願使用任何標籤來定義 這樣並沒有妨礙她成功創作並和世界分享她的音樂能力  Hiromi 出生於1979年日本靜岡濱松市 從六歲開始學習鋼琴 老師教她專注於樂器的直覺和技術方面 隨後她在YAMAHA學習  她吸收了多種音樂風格    她已經了解爵士音樂 並創作了自己的作品 她記得小時候寫音樂 並繼續在日記中記下她的想法 她整個童年時期都在表演 14歲時與捷克愛樂樂團合作  Hiromi於1999年進入波士頓柏克萊分校 從她的第一張專輯Another Mind(2003) 到她第十張專輯Spark Hiromi都贏得了很多讚譽 並與眾多令人印象深刻的音樂家合作演出 包括低音提琴手Anthony Jackson 鼓手Simon Fiucznski和Lenny White 吉他手David Fiuczynski 她的專輯無論是作為領導者還是做為特色表演者都獲得了多項獎項 有葛萊美最佳當代爵士專輯獎 DownBest評論家鋼琴獎 波士頓音樂獎的最佳爵士表演 鋼琴家兼作曲家上原博美 自2003年首次亮相以來 其充滿激情和扇動性的鍵盤作品一直是爵士樂的亮點 "當我演奏音樂時 我意識到它真的可以過濾情緒" Hiromi說 "專輯名稱取名為Voice 因為我相信人們真實的聲音是通過他們的情感表達出來的 這不是說出來的東西 更多的是心裡有的想法 也許是還沒有說的 也許永遠也不會說 但這是真實的聲音 和樂器非常相似 沒有任何文字和歌詞與之搭配 這是我們沒有真正用文字表達的真實聲音 我們當它真實的時候去感受它" 她說 "人們可以只聽這些音樂 並決定這些音樂如何反映他們自己的生活 他們可以想像任何事情 這就是沒有文字音樂美妙之處 只是運用想像力 在其中找到自己的聲音 並帶著它旅行到任何地方 在疫情爆發隔離期間Hiromi提議做一些直播 儘管沒有現場觀眾 "我想寫下我在大流行期間的情感旅程 我認為這是一個非常不健康的環境 因為我們有點失去了釋放能量的地方 我唯一能做的就是寫一些音樂 有一天我會在觀眾面前演奏這首音樂 這是...

 轟動一時的日本鋼琴家 以蕭邦的音樂魅力征服世界 2021年10月 日本著名鋼琴家角野隼斗登上第18屆蕭邦國際鋼琴比賽波蘭愛樂音樂廳的舞台 Sumino是網路紅人 他也經營自己的頻道  Hayato Sumino在第18屆國際蕭邦鋼琴大賽預賽中演奏了以下曲目: Nocturne in C minor, Op. 48 No. 1/ Etude in A minor, Op. 25 No.4 Mazurka in G minor, Op.24 No. 1/ Etude in A minor, Op. 25 No. 11 Mazurka in C major, Op. 24 No.2/ Ballade in F major, Op.38   全球超過500名鋼琴家申請參加鋼琴比賽 並將他們的錄音提交給華沙的國際評審 2021年7月12日到7月23日舉行的預賽結束後 由世界著名鋼琴家和教育家組成的評審團在華沙愛樂廳廳堂選出了26歲的Sumino和其他86名鋼琴家參加這場享有盛譽的比賽 被認為是世界上最重要的音樂盛事之一 這位鋼琴家獲得這一殊榮並不意外 Hayato的華沙獨奏會是他對音樂耐力的考驗 他演奏Fryderyk Chopin時表現得溫柔而細膩 角野以C小調夜曲開始了他的音樂會 展現音樂情緒和張力 體現蕭邦的音樂力量 然後是兩首馬祖卡 兩首練習曲 最後他在F大調Op.38 顯示出非凡的聲音清晰度 華沙的觀眾熱情地掌聲回應了Hayato  第一屆Fryderyk Chopin國際鋼琴比賽於1927年在華沙舉行 除了在普及蕭邦音樂方面發揮了巨大作用之外 他還發掘非凡的鋼琴天才 為他們打開通往世界音樂廳的大門 蕭邦國際大賽為許多獲獎者開啟國際音樂生涯 包括Halina Czerny Stefanska, Adam Harasiewicz, Maurizio Pollini, Martha Argerich, Garrick Ohlsson, Kystian Zimerman, Stanislav Bunin, Daniil Trifonov, Krzysztof Jablonski, Mitsiko Uchida, Seong Jin Cho 角野隼斗是一位才華洋溢的音樂家 三歲開始彈鋼琴 在他的家鄉東京為眾多熱情的觀眾舉辦音樂會 除了...

 蕭邦 (1810年3月1日 Zelazowa Wola- 1849年10月17日 Paris) 蕭邦是一位出生於波蘭的鋼琴家和作曲家 在鍵盤音樂領域上有著無與倫比的才賦 作為一名鋼琴家 他的才華無法被複製  相比其他人 他舉辦音樂會的數量和創作完全不成正比 30年當中 只有30場公開演出 在蕭邦之前或之後的音樂家 沒有其他人對鋼琴曲目貢獻這麼多重要作品 捕抓它的靈魂 蕭邦的母親是波蘭人 他的父親是法國人 年輕時來到波蘭 結婚和定居華沙之前 擔任過簿計員 類似會計的工作 和家庭教師的工作 年輕的蕭邦跟隨Wojciech Zywny學習鋼琴 和Jozef Elsner學習和聲與對位 https://youtu.be/3IgpPKzoNag 8歲時舉辦了他的第一場音樂會 很快地超越他的老師 他的名字也在波蘭以外的地方出名 1830年春天和秋天 蕭邦為華沙觀眾演奏了兩首新作品 為了拓展視野 他於1830年11月離開波蘭 並前往維也納 在那裏停留8個月後前往巴黎 再也沒有返回他的國家 雖然如此 但卻在巴黎收穫很多 1830年代的巴黎 已經成為歐洲的文化中心 也是藝術和文學新思維的溫床 也是音樂浪漫主義的點 蕭邦在巴黎最初幾年的作品包括夜曲op.9和op.15 (1830- 1832) 12首練習曲op. 25 (1835- 1837) 降B小調戲謔曲 op.31 (1837) 降B小調奏鳴曲 op.35 (1837) 和G小調民謠 op.23 (1836) 1836年蕭邦與Maria Wodzinski訂婚 但是隔年 女方的家人取消了訂婚 蕭邦的音樂藝術在1830年代後期達到了一個新的高峰 此時期他與年長自己六歲的作家 Aurore Dudevant合作 1832年改名為喬治桑(George Sand) 蕭邦一些偉大的作品都是在他們認識的初期9年創作的  1838- 1839年冬天 他們一起在西班牙馬約卡島Majorca度過 住在一個廢棄的卡爾都斯修道院Carthusian 當時蕭邦正歷經第一次嚴重的肺結核 儘管身體微恙 他還是設法完成了24首前奏曲 Op.28 (1838- 1839)  1848年間 儘管身體反覆發病 他創作了一系列非凡作品 其中有降A大調民謠Op.47 和F小調作品Op.52 馬祖卡Opp.50, 56, 59, ...

 是甚麼讓蕭邦偉大 佛雷德里克 蕭邦是最偉大的鋼琴家之一 他作品永遠改變了我們對樂器的想像 無論是技術上還是情感上  蕭邦從未創作過交響樂或歌劇 他只為一種樂器 (鋼琴) 寫作的決心 這讓成為一名偉大作曲家的意義有了重新的定義 儘管蕭邦喜歡歌劇和交響樂 但是他絕對知道自己是誰 他住在鍵盤上 創造了他所有的想法 他有勇氣相信 三分鐘的馬祖卡所包含的表達可以與整個四小時華格納歌劇中的表達一樣強大  蕭邦僅用幾分鐘就能達到 例如A小調馬祖卡 作品17 No.4 蕭邦革命的一部分是從第一個音符開始的 讓蕭邦偉大的一切都在這20個小節裡面 一開始 音樂似乎漂浮在某個空靈的世界當中 沒有確切的節奏 也沒有可以辨別的調 與古典時期作品不同 有清晰的開頭和清晰的結尾 不是從A小調和弦 (樂曲的基本調) 開始而是從不和諧的和弦開始 當第一次聽到時 聽起來像是一個獨立的夢想片段 而這首曲子實際上是在馬祖卡曲調開始幾分鐘之後才進入 一種美麗而微妙的聯繫 前奏的重複音符變成了曲調本身 這是一種全新的前奏和樂曲主體之間的關係 像是偽裝成的藝術一樣 雖然聽起來蕭邦只是在沙龍裡即興創作這種音樂 但每一種元素: 節奏 和聲 旋律 實際上都經過精心控制  似乎漫無目的地從一個鍵到另一個鍵 以一種即興的感覺徘徊的段落 實際上是非常基本的 左手最基本的展開 按照一個簡單的音階 從巴洛克式的前進 錯覺的以為是即興創作 其實是大師級的控制技術 這些魔力隱藏在蕭邦精心裝飾的旋律細節 意想不到的優雅音符和休止符 以及點綴 演奏一段旋律當中 先要用9個音符來裝飾它 沒有甚麼可以為15個音符的引人入勝裝飾做好準備 波蘭民間舞蹈 馬祖卡 https://youtu.be/atfSonOBRbo 變奏曲是古典樂中常見的形式 https://youtu.be/GhB3zXQRRHY 優雅的三拍子舞蹈 https://youtu.be/XWNTsbba_Nw 一種古老的法式四拍子舞蹈 https://youtu.be/SLRHuyoLgaM 學習音樂不能缺少的理想工具 https://youtu.be/rVCxEoLS_w0   角野隼斗 Hayato Sumino https://ilovemusicpack.blogspot.com/2021/10/hayato-sumi...

蕭邦國際鋼琴大賽是 世界同類賽事中歷史最悠久的比賽之一 佛雷德里克蕭邦國際鋼琴大賽The International Fryderyk Chopin Piano Competition in Warsaw 比賽享有國際盛譽 鋼琴比賽存在七十多年 不斷發展和改變 創造了自己的廣泛傳統   蕭邦鋼琴比賽發起人是Jerzy Zurawlew教授 (1887- 1980) 是一位傑出的波蘭鋼琴家 教師和作曲家 第一屆比賽於1927年1月23日- 30日在華沙愛樂樂團的音樂廳舉行 根據規定1932年和下一屆比賽1937年也在同樣的地方舉行 五年舉辦一次 期間適逢第二次世界大戰 1942年的比賽取消 直到戰後多年才舉辦 戰後第一次(第四屆)的比賽於1949年在華沙的羅馬音樂廳舉行 音樂廳至今仍在Nowogrodzka街上 是華沙愛樂樂團和歌劇院臨時所在地  第五屆的比賽在六年後的1955年 對於傳統上每五年舉辦一次的比賽 更改的原因是由於華沙愛樂音樂廳的重建 該音樂廳重建後達到了國家級的規格 自1955年以來 蕭邦國際鋼琴大賽每隔五年在國家愛樂音樂廳舉行 從未間斷 大戰前的比賽和1955年 1960年 還有1965年的比賽都在蕭邦生日2月22日左右的冬天舉辦 期間評分委員和參賽者因為疾病 導致比賽日期變更為蕭邦去世的10月舉行 前三屆的比賽由華沙音樂協會所舉辦 該協會還成立了蕭邦高等音樂學院 第四屆1949年和1955年由文化藝術部長任命執行委員來舉辦 1960年至2005年比賽交由Fryderyk Chopin Society負責比賽和管理 紀錄和保存比賽 常設秘書處 與波蘭國內外音樂組織合作  自1957年 蕭邦國際大賽一直是日內瓦世界國際音樂比賽聯合會的成員和創始之一 蕭邦大賽1927年開始 有8個國家26名參賽者比賽時間前後八天 到了2005年第15屆比賽 人數已經到了350名的申請 比賽時間都要一個月 參賽者的鋼琴家按照字母順序來演奏 贏得大賽的獎項意味著通往音樂職業演奏生涯更順暢 第一屆的比賽 評審委員全為波蘭音樂界的代表 後來開始邀請波蘭和世界各國最傑出的音樂家來擔任  比賽包括初賽兩個階段和決賽 初賽在兩個場地舉行音樂學院Music Academy和文化科學館Palace of Culture and Science 除了1...

 冠狀病毒大流行 對所有表演藝術都構成了嚴峻挑戰 病毒大流行期間 年長被貼上不穩定的標籤 這些年長的聽眾對演藝事業來說也許是生命線 在沒有改變演出方式的情況下 幾乎沒有方法可以降低將表演者和觀眾的風險 在充滿挑戰的時刻 古典音樂表演被認為脆弱的事業 因為古典音樂的樂迷被視為容易受到病毒感染的年長者 大都會歌劇和紐約愛樂樂團的觀眾平均年紀為57歲 愛樂樂團約有62%的觀眾年紀在55歲以上 相比之下 百老匯觀眾平均在40-45歲之間 相較之下 年輕人的缺席令人沮喪 尤其愛樂樂團的聽眾只有24%在40歲以下 這些人可能已經養成文化習慣的消費者老齡化被視為一種不祥的表現 顯示這種藝術形式將繼許緩慢無情的邁向死亡螺旋 任何表演藝術的支持結構都不能以年長顧客的訂閱者作為基礎 努力改善的指標在於致力精心的努力來吸引年輕的群眾 巴黎歌劇院啟動了一項計畫 該計畫通過前衛的宣傳影片吸引20幾歲年輕人的注意力 並以折扣價格吸引數千名觀眾觀看演出 這個活動取得了成功 古典音樂的樂迷往往年齡較大 早期人口統計調查 圖像和電視廣播清楚地顯示 即使1960年代 伯恩斯坦Leonard Bernstein在愛樂樂團的演出 參加音樂會的人還是以50歲以上的人為主要 年復一年 聽眾的年齡結構並沒有改變 表示這些年人年輕的時候並沒有加入這個行列 而在某個時刻開始參加 古典音樂應該盡最大的努力培養新的觀眾 讓任何想加入的人都能餐與 擁有年長聽眾也不一定可怕 這些年長樂迷離開電視到現場聆聽 是最忠實贊助奉獻的精神 古典音樂機構應該珍惜並服務這種熱情 許多演出單位想鼓勵年輕觀眾而設計新的曲目演出單 樂團呈現新的和大膽的作品時會令人振奮 也會吸引年輕人的注意力  不論是四重奏或管弦樂作品 音樂會上觀眾都必須關注表演 至少在這個時刻 難得的機會坐在一個具有良好音響效果的音樂廳中 進入作曲家音樂領域 並透過演奏家精湛的演出傳承下來 無論是哪個年齡層 如果有耐心接受 就有機會進入古典音樂 如果太過煩躁 這一類的形式可能就不容易適應 在吸引年輕聽眾的過程 應該慶幸這些資深的音樂迷不斷加入 而不適理所當然或擔心 變奏曲是古典樂中常見的形式 https://youtu.be/GhB3zXQRRHY 波蘭民間舞蹈 馬祖卡 https://youtu.be/atfSonOBRbo 優雅的三拍子舞蹈 ...

古典音樂鼓勵吃甜食 古典音樂讓我們迷上巧克力餅乾 聽巴赫或貝多芬會讓人平靜下來 並想吃甜食 根據一項研究發現 聽古典音樂可能會讓你渴望巧克力餅乾和其他甜食  這項研究由日本宮城大學領導的研究人員進行的研究 在800人聽了古典樂 爵士樂 嘻哈音樂和搖滾金屬樂的20個片段 然後詢問他們後得到的結論  評估他們對16種營養素的渴望 並解釋他們在聽了這些音樂後的情緒狀態 參與研究的人表示 聽了古典音樂後感到更平靜 並且更喜歡吃甜食 而不是漢堡 薯條和快餐類食物 這些古典音樂曲目有Elgar的Salut d'amour和巴赫的G弦之歌 爵士歌曲則有Dave Brubeck的Take Five和Miles Davis的Walkin 嘻哈類行音樂有2Pac和Dr Dre的California Love以及Macklemore和Ryan Lewis的Thrift Shop 金屬搖滾歌曲是Iron Maiden的Master of Puppets 可以用情緒的狀態來解釋音樂和某些類型食物的連結 多數人認為吃甜食可以使人平靜 也有研究指出 在商店裡聽古典音樂會促使顧客購買較昂貴的衣服和昂貴的葡萄酒  烹飪雖然有趣又富有創意 但在為他人準備飯菜時 往往會變得緊張 打開古典音樂可以幫助放鬆  開胃菜時 葡萄酒和奶酪搭配巴赫的大提琴組曲 馬友友對巴赫的六首無伴奏大提琴組曲的演繹是開胃菜搭配的極好作品 可以成為完美的背景音樂 主菜為烤魚 配上舒伯特的鱒魚五重奏 (A大調鋼琴五重奏) 舒伯特將鋼琴 小提琴 中提琴 大提琴 和低音大提琴的旋律輕快愉快組合在一起 伴隨相同的菜色 就像烤魚一樣  甜點的巧克力蛋糕加上莫札特第19號鋼琴協奏曲 被認為是莫札特最偉大的協奏曲之一 微妙的彈琴手部動作 匹配上糖霜和蛋糕翻滾所需的耐心 絕對會使人同時沉迷於音樂和甜點 消夜的杜松子酒和德布西最著名的Bergaesque鋼琴組曲 這首安靜舒緩的樂曲只會與親密的朋友低調或少量談話時共同分享 波蘭民間舞蹈 馬祖卡 https://youtu.be/atfSonOBRbo 變奏曲是古典樂中常見的形式 https://youtu.be/GhB3zXQRRHY 學習音樂不能缺少的理想工具 https://youtu.be/rVCxEoLS_w0 一種古老的法式四拍子舞...